Do mesmo chão que eu piso
Paintings, installation, objects
Recife, Pernambuco - Brazil, 2025
DO MESMO CHÃO QUE EU PISO
Carlos Newton Júnior
Ninguém em sã consciência negará a contemporaneidade da artista pernambucana Maria Queiroga (Maria Ruiz). É uma artista do seu tempo, que reflete sobre os problemas do seu tempo e procura levar às últimas consequências, com as ferramentas e as linguagens que seu tempo lhe concede, aquele “exercício experimental da liberdade” de que falava Mário Pedrosa.
Em sua terceira mostra individual, “Do mesmo chão que eu piso”, com uma diversidade criativa digna de nota, Maria Queiroga apresenta pinturas, objetos, instalações e fotografias, trabalhos inéditos desenvolvidos entre 2024 e 2025. Como já ocorrera com trabalhos anteriores, a exemplo da série abstracionista “Poesia simbólica”, inteiramente realizada no tempo em que a artista residia no Canadá, as obras da presente mostra se aglutinam em conjuntos de grande força imagética. No âmbito desses conjuntos, cada uma delas mantém o seu valor de obra autônoma, ao mesmo tempo que se complementa à vista das demais.
Não foi por acaso que o regresso de Maria Queiroga ao Brasil representou um retorno da sua obra ao figurativo. Mas um figurativo fortemente estilizado, às vezes abstratizante, num estágio que antecede a pura forma abstrata. A silhueta dos matacões graníticos que formam as Pedras do Reino, localizadas em São José do Belmonte, sertão de Pernambuco, dominante em uma das obras da presente exposição, é uma espécie de passaporte para o universo poético de Ariano Suassuna, com o qual a artista dialoga, acrescentando sempre algo de seu. É que a imagética armorial lhe instiga a recuperação da sua memória pessoal e dos seus lugares de afeto; das suas origens maternas, vinculadas à fazenda Assento da Pedra, no município de Pombal, sertão da Paraíba. Tudo então se une ao longo das obras aqui expostas, numa evocação telúrica daquele pedaço de chão: pedra, argila e pinturas rupestres (com ênfase nos “candelabros” da famosa Pedra do Ingá); as serras e o sol; animais míticos e sagrados, com visível destaque para a serpente; os braços de uma cadeira que pertenceu à sua avó e agora compõem a armação de duas pinturas; a antiga mala de madeira do seu bisavô, que foi mascate, e lhe serve de motivo para uma instigante instalação, a reverberar fragmentos da memória revelados no interior de velas acesas.
A palavra “laboratório” não só pode, como deve ser associada à obra de Maria Queiroga, desde que entendida a partir de uma etimologia heterodoxa, no contexto da alquimia. Assim, mais do que um simples “lugar de trabalho”, ela significaria um “oratório de labor”. A artista praticamente abdicou das tintas e das telas industrializadas. Valendo-se de técnicas experimentais, ela própria produz os seus materiais de trabalho, com pigmentos orgânicos, areia e fragmentos de casca de ovo, optando ainda por suportes como madeira e algodão cru. Não se trata de valorizar o processo criativo mais do que o resultado, mas é que a sua prática artística se inicia já a partir da escolha dos seus meios de expressão.
“Nova visagem da Onça Caetana” demonstra a sua leitura pessoal do desenho originalmente criado por Ariano para o romance O Rei Degolado. Trata-se, como se sabe, de uma alegoria da morte. Quaderna, o protagonista-narrador da história, descreve a morte na forma de onça alada, com uma cobra-coral enroscada ao pescoço, a modo de colar, e três aves de rapina nos seus costados. Na versão de Maria Queiroga, a cabeça da onça pode ser interpretada em escorço, olhando para o fundo do quadro e mantendo a sua forma felina; mas pode, também, ser vista de perfil, em paralelo ao plano do quadro, lembrando, então, a cabeça de um cachorro. Além disso, Maria Queiroga acrescenta à sua composição a imagem do ovo, quase onipresente em todas as suas pinturas desta fase atual, e que simboliza a vida. A artista reforça, assim, um truísmo que costumamos esquecer: vida e morte são faces de uma mesma medalha, pois viver é morrer. Fazendo-nos mortais, o mesmo deus que nos deu a vida também irá retirá-la, indiferente à nossa vontade e ao nosso mais veemente protesto.
DO MESMO CHÃO QUE EU PISO
Carlos Newton Júnior
No one in their right mind would deny the contemporaneity of the Pernambuco-born artist Maria Queiroga. She is an artist of her time—one who reflects on the issues of her era and seeks to push to their limits, using the tools and languages available to her, that “experimental exercise of freedom” spoken of by Mário Pedrosa.
In her third solo exhibition, From the Same Ground I Walk, Maria Queiroga presents—with noteworthy creative diversity—paintings, objects, installations, and photographs: previously unseen works developed between 2024 and 2025. As in her earlier productions, such as the abstractionist series Symbolic Poetry, created entirely during her time living in Canada, the works in this exhibition coalesce into groups of powerful visual impact. Within these groupings, each piece retains its value as an autonomous work while also gaining meaning in relation to the others.
It is no coincidence that Maria Queiroga’s return to Brazil marked a return of her work to figuration. Yet this is a strongly stylized figuration, at times tending toward abstraction, occupying a stage that precedes pure abstract form. The silhouette of the granitic boulders known as the Pedras do Reino, located in São José do Belmonte in the hinterlands of Pernambuco—and prominent in one of the works in this exhibition—serves as a kind of passport into the poetic universe of Ariano Suassuna, with whom the artist enters into dialogue, always adding something of her own. The armorial imagery inspires her to recover her personal memory and places of affection: her maternal origins linked to the Assento da Pedra farm, in the municipality of Pombal, in the hinterlands of Paraíba. Everything thus comes together across the works exhibited here, evoking in a deeply earthy way that piece of land: stone, clay, and rock art (with emphasis on the “candelabra” of the famous Pedra do Ingá); the mountain ranges and the sun; mythical and sacred animals, with particular prominence given to the serpent; the arms of a chair that once belonged to her grandmother, now forming the structure of two paintings; the old wooden suitcase of her great-grandfather, a traveling merchant, which becomes the central element of a compelling installation that reverberates fragments of memory revealed in the interior of lit candles.
The word “laboratory” not only can but should be associated with Maria Queiroga’s work, provided it is understood through a heterodox etymology, within the context of alchemy. More than simply a “workplace,” it would mean an “oratory of labor.” The artist has practically abandoned industrial paints and canvases. Drawing on experimental techniques, she produces her own working materials using organic pigments, sand, and fragments of eggshell, while also choosing supports such as wood and raw cotton. This is not about valuing the creative process over the final result; rather, her artistic practice begins with the very selection of her means of expression.
New Visage of the Onça Caetana demonstrates her personal reading of the drawing originally created by Ariano for the novel The Beheaded King. As is well known, it is an allegory of death. Quaderna, the protagonist-narrator, describes death in the form of a winged jaguar, with a coral snake coiled around its neck like a necklace and three birds of prey at its sides. In Maria Queiroga’s version, the jaguar’s head may be seen in foreshortening, looking into the depth of the painting while maintaining its feline form; but it may also be viewed in profile, parallel to the picture plane, thus resembling the head of a dog. Moreover, she adds to her composition the image of the egg—almost omnipresent in her paintings of this current phase—which symbolizes life. In doing so, the artist reinforces a truism we often forget: life and death are two sides of the same coin, for to live is to die. In making us mortal, the same god who granted us life will also take it away, indifferent to our will and to our most vehement protest.